[Índia em Dia] Ratha Yatra - a grande procissão dos Deuses rumo aos novos tempos

 por Raphael Lopes

Bom dia leitores,

Como um inveterado apaixonado pela dança Odissi e por toda a cultura milenar que cerca e enriquece essa forma refinada de arte, não poderia deixar de registrar aqui a ocasião do Ratha Yatra - a Procissão dos Carros. Esse que é um dos mais famosos festivais hindus, onde as imagens sagradas de Jagannatha (e seus irmãos Baladeva e Subhadra) saem de seu templo principal (em Puri, Orissa) e seguem em procissão em grandes carruagens para o Templo de Gundicha.

Esse festival ocorre há pelo menos oito séculos nesse formato, e muitas tradições se construíram ao redor dessa data. Como toda festividade hindu, esse festival ocorre no terceiro dia do mês lunar de Ashadha (que coincide sempre entre os nossos meses de Junho e Julho), e se tornou muito famoso no ocidente com o surgimento do movimento Hare Krishna nos anos 70, nos Estados Unidos. Inclusive, a palavra Juggernaut (massivo ou inexorável) foi cunhada pelos ingleses no início do século passado após verem os colossais carros de madeira que conduzem a procissão das deidades.

O Ratha Yatra tem ao redor de si uma série de detalhes místicos e históricos que ganham na dança uma amálgama interessante, e atualmente muitos bailarinos de Odissi (inclusive esse que vós escreve) encontram nesse festival uma plataforma para apresentarem sua arte em forma de serviço devocional nas atividades oferecidas pelos templos vaishnavas ao redor do mundo. A dança foi historicamente um dos maiores pilares nos serviços religiosos nesses templos, de modo que muitos rituais consistiam basicamente na apresentação de danças e cantos específicos, enaltecendo e celebrando as glórias e passatempos divinos.

O atual repertório da dança Odissi foi pensado em uma forma mais aberta e lúdica de se vivenciar esses ritos, na atmosfera adequada dos palcos. O que antes era uma apresentação longa e contínua, se tornou fracionada em diversos itens que contém em si partes vitais do culto religioso: a oferenda de flores, a saudação constante aos Deuses e seres celestiais, a movimentação que cria mandalas constantes no palco, etc. Uma recensão das antigas tradições do passado, que sobrevivem se adaptando aos novos tempos. 

Ainda que não sejamos mais as mesmas sacerdotisas e devotos em seu modo estritamente religioso de se experimentar o sagrado, somos os herdeiros e representantes dessas antigas tradições que são reafirmadas e trazidas aos novos tempos toda vez que assumimos - ainda que de forma cênica - o nosso papel como sacerdotes e adoradores por meio da dança. Por um outro lado é muito importante dimensionar esse papel numinoso como uma experiência pessoal e íntima, e cuidarmos muito para não nos tornamos uma caricatura ou um pastiche do que seriam essas dançarinas sagradas.... Isso sem contar no sem número de riscos que temos em segregar ainda mais essa forma de arte, criando na espiritualidade algum tipo de elitismo que distancia mais do que aproxima de fato.

É chegada a hora de lembrarmos que o Odissi não se trata de uma dança congelada na idade média hindu, e que todos nós aqui no ocidente nem poderíamos dança-la se assim o fosse. A dança é fluída, e a história só prova o quanto ela se transformou para chegar até aqui. E mais do que nunca, a pandemia nos permitiu perceber o quanto ainda estávamos patinando em ideias pre-concebidas que nem sempre contemplavam a realidade.

É muito simbólico estarmos agora nos aproximando cada vez mais de uma nova normalidade nas atividades sociais e culturais na medida em que as medidas de vacinação estão se tornando mais amplas. As atividades artísticas (que consolidaram nos meios virtuais novas formas de se produzir e discutir arte) estão como que abençoadas por Jagannatha, cada vez mais próximas de um contato real e presencial.

Mas é muito importante não perdemos essa dimensão muito clara, entre o que é a origem espiritual e como ela se desenha na prática em nossas danças.

Tome muito cuidado com professores que se colocam como Gurus (não temos nem de longe nenhum professor próximo da envergadura real desse termo), que monopolizam a relação do bailarino aluno com a dança e cultura hindus, usando a régua da espiritualidade para isso.

Tome muito cuidado com professores que proíbam a troca e o contato com outros pensadores da dança, e que contornam sua relação em tons sectaristas disfarçados de esoterismo e misticismo. 

Que saibamos referendar nossas raízes espirituais, pra além das caixinhas ou da manipulação e controle disfarçada de pureza espiritual...

Que o Senhor Jagannatha em sua procissão, nos traga novamente os dias de glória e aglomeração, onde a arte e a rua se mesclam numa grande encruzilhada em constante expansão.

Em tempos de festa, dance para celebrar.

Em tempos de crise, dance para resistir.

Até a próxima,

Namaskar.

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Índia Em - Dia

Raphael Lopes (São Paulo-SP) é bailarino de dança clássica indiana Odissi e tem levado à dança aos cenários dos Festivais e Encontros nacionais defendendo seu caráter sagrado, conscientizando as novas gerações a buscar um aprofundamento tradicional evitando a macula à essa refinada e sofisticada forma de arte. Clique aqui para ler mais post dessa coluna! >> 

[Que História é Essa?] INTERLÚDIO - Para Entender o Contexto da Emergência do Tribal: política e cultura nos EUA no século XX

por Ana Terra de Leon

Nos últimos posts da coluna, nós nos debruçamos sobre uma fonte específica produzida pela bailarina Jamila Salimpour. Hoje, no entanto, ao invés de continuar a análise que comecei no post passado, vou discutir rapidamente com vocês um pouco sobre o contexto estadunidense e começar a abordar relações entre política, arte e história e como isso aparece no Tribal. Assim, ficará mais fácil entendermos o próximo post e vocês terão um pouco mais de contexto para compreender a análise que virá. Vamos juntes?

Vamos começar nos situando nos termos de nossa própria dança. O ATS bellydance (American Tribal Style, recentemente rebatizado para “FatChanceBellyDance Style”) é um estilo de dança contemporâneo emergido durante a década de 1980. Podendo ser traduzido literalmente como “Estilo Tribal Americano de dança do ventre”, será aqui denominado de Estilo Tribal Estadunidense de Dança do Ventre. O ATS fusiona uma série de danças diferentes em sua estética. A sua base principal é a dança do ventre, porém aparecem elementos do flamenco e das danças indianas não só em seus passos como em sua construção de figurino. 

O Tribal Estadunidense foi feito para ser dançado em grupo, de maneira totalmente improvisada. Para isso, as bailarinas e bailarinos do estilo aprendem um vocabulário de passos, alguns possuindo senha, e os grupos se organizam de maneira a seguir uma líder, que é quem guia o improviso coordenado em grupo. A liderança pode ser constantemente trocada entre as integrantes do grupo, o que cria uma dinâmica interessantíssima de coletivo. No ATS, o grupo se sobressai à bailarina. Esta característica não se constitui apenas como um critério técnico: as praticantes e suas criadoras prezam por esta concepção como uma base filosófica para a dança.

Ué, Ana, mas você não tava falando da Jamila? Por que você tá falando de ATS? Porque meu intuito discutindo o trabalho de Salimpour é que a gente consiga entender o nosso fazer nas diversas ramificações do Tribal hoje em dia. E do ponto de vista das Fusões Tribais, compreender a formação histórica do ATS é fundamental. Todas estas fusões, estabelecidas nos anos 2000, de alguma forma ou de outra, derivam do ATS - ou pelo menos tem alguma relação histórica com ele. O estilo, no entanto, como tudo que acontece na história da humanidade, não surgiu do vácuo. Para nos aprofundarmos na história do ATS e das Fusões que dele derivam (mesmo aquelas que, esteticamente, não conversam tanto assim com ele), é necessário compreender toda a efervescência cultural envolvida na história da Dança do Ventre nos Estados Unidos. E para compreender essa dança dos Anos 1980, é necessário voltar duas décadas antes: os tumultuados e, ao mesmo tempo, frutíferos anos 1960. E é por isso que estamos começando com a Jamila!

Nos anos 1960, os Estados Unidos já eram um país com plena capacidade imperialista. O país interferiu diretamente pela eclosão de uma série de ditaduras em toda a América Latina. O motivo? Bem, é mais fácil falar em motivos. Porém, para simplificar nossa vida, ressaltei aqui um só. Em plena Guerra Fria, o mundo capitalista se via interpelado com força pelo comunismo. As elites, conglomerados de imprensa e políticos liberais se viam amedrontados pela possibilidade de que a então União Soviética conseguisse, a partir do apoio às democracias latinas, influenciar estes contextos políticos e findar o capitalismo nesses países. O comunismo se assomava sobre o mundo capitalista como possibilidade de libertação para trabalhadores e trabalhadoras - que eram a maioria populacional, e ainda o são hoje. Sob a bandeira da igualdade e da retomada do poder pelos trabalhadores, inspirava lutas por independência no Oriente e na África já havia algumas décadas, e finalmente chegou do lado de cá do mundo.

Isto não seria nem um pouco interessante para os Estadunidenses, pelo simples motivo de que perderiam relações comerciais e políticas importantes com países que eram por eles subalternizados. Certamente há mais fatores que isto, mas como precisamos voltar às nossas danças, digamos que estes fatores eram os principais. Essa relação de interferência não se deu apenas na América. Países de África se viram sob os holofotes tanto da URSS quanto dos EUA, que buscavam expandir seus modelos político-econômicos para os países envolvidos nas lutas por independência. É importante lembrar que grande parte dos países africanos ainda não eram reconhecidos como independentes e travaram lutas constantes por sua emancipação ao longo de todo o século XX. O domínio colonial europeu é ainda muito recente. A independência egípcia, por exemplo, se deu apenas em 1922, e o fim do processo é datado da década de 1950!

No final do século XIX e no início do século XX, os Estados Unidos já se colocavam, a partir da ideologia do Destino Manifesto, como salvadores das nações vizinhas. Essa salvação se dava, justamente, pela presença militar. Ou seja: por meio da imposição da força, acreditavam que poderiam colaborar com a “civilização” dos países vizinhos. A política do Big Stick é um excelente exemplo desta ideologia.

 Charge “Theodore Roosevelt and his Big Stick in the Caribbean”, de William Allen Rogers, 1904.

Os EUA se constituíram, após a 2ª Guerra Mundial, como uma potência militar e bélica. Suas política de estado e economia eram fortemente baseadas no fazer da guerra e na presença militar em outros países. A ideia de que as tropas baseadas em países estrangeiros são heróis é fortemente presente na cultura estadunidense até hoje. Sabemos que o pai de Jamila Salimpour, por exemplo, serviu em uma base militar no Egito. Certamente o pai de Jamila não foi para as bases estadunidenses em países árabes para colher flores e fazer amigos.

A partir do final da década de 1950, o olhar da política externa dos Estados Unidos se voltou para o Oriente. Sem deixar de lado América Latina e África, os “ianques” começaram a se envolver nos conflitos internos orientais em relação a independência, disputas políticas e, principalmente, combater a influência soviética nos países - um caso bastante famoso é o iraniano; o filme Persépolis aborda en passant esta questão de maneira bem lúdica.

Infográfico de 2020 elaborado pelo jornal Washington Post com as bases militares estadunidenses presentes na Ásia Menor, ou “Oriente Médio”. Mais ou menos um século depois, os EUA seguem “civilizando” à força.

Mas os Estados Unidos não foram os primeiros a estabelecerem bases militares no que popularmente conhecemos como Oriente Médio. No início do século XX, a Europa se via envolvida na invasão e manutenção de uma série de territórios - incluindo África e Ásia. Conflitos nestas e sobre estas regiões, que possuía bases militares de países europeus, foram o combustível para a explosão da Primeira Guerra Mundial (comumente marcada entre 1914 a 1928).

Numa dessas bases militares, por volta de 1910 no Egito, havia um soldado siciliano que se interessava muito pelas danças populares das ciganas Ghawazee. Em Alexandria, este homem viu uma apresentação destas mulheres nas praças, e, anos mais tarde, relatou esta experiência numa carta. Posteriormente, ele e a família migraram para os Estados Unidos. A filha deste homem, ainda criança, aprendeu com ele os primeiros passos das danças destas mulheres. Essa filha, nascida Giusippina Carmela Burzi, cresceu apaixonada pelas danças orientais, vindo a ser a famosa dançarina Jamila Salimpour.

Quem dança fusões tribais conhece a história: Jamila ensinou a Masha, que ensinou a Carolena, que ensinou a Jill, e Rachel, e Mega Ghavin, que ensinaram a etc etc etc. E no meio desta história, as linhagens vão se fundindo, se separando, e fazendo emergir uma série de estilizações dentro da estilização: a dança oriental era transformada em dança do ventre cabaré, em dança do ventre de estilo tribal, e em fusão tribal. 

Jamila Salimpour começou a dançar muito nova, e já em 1948 (poucos anos após a 2º Guerra Mundial) praticava dança do ventre em cafés e restaurantes e dava aulas. Dançou tanto no famoso The Fez quanto no Bagdad Cafe, do qual foi dona. Porém, a sua criação que é frequentemente associada ao princípio do que anos depois se chamaria American Tribal Style e depois o Tribal Fusion é o Bal Anat, grupo de dança criado na década de 1960. E é a partir daqui que a gente começa a falar sobre orientalismo.

A década de 1960, como já dito anteriormente, é marcada por uma série de movimentos culturais, sociais e políticos ao redor de todo o mundo. O contato de Jamila com a cultura oriental não é um fato isolado: a cultura ocidental - especialmente a contracultura - fazia novamente incursões ao oriente e se apropriava de suas estéticas. Os Beatles incluíam a cítara em suas músicas, Jimmy Page foi à Índia e conta que conta sobre seu primeiro encontro com Ravi Shankar, os hippies se interessavam por cultura hindu e os templos budistas ao redor do mundo começam a ganhar mais adeptos.

No próximo post, vamos entender essa relação entre a cultura estadunidense e o surgimento das danças que culminaram na emergência do Tribal, voltando ao documento que analisamos nos dois posts anteriores! A minha ideia é que fique mais fácil entender que as problemáticas envolvendo a nossa dança - tanto no nome quanto nas questões de apropriação cultural  - tem relação com o próprio processo de surgimento dela. Com estes textos, espero instrumentalizar bailarines a compreender melhor a própria prática e se posicionar de maneira mais consciente e embasada. Até a próxima!

Bibliografia: 

HOBSBAWM, Eric. Era dos extremos: o breve século XX. Editora Companhia das Letras, 1995.

SAID, Edward. Cultura e Imperialismo. São Paulo: Companhia de Bolso: 2011.

SALIMPOUT, Jamila. Jamila’s Speech at the International Conference on Middle Eastern Dance, 1997. Disponibilizado por Salimpour School em: https://www.salimpourschool.com/resources/ > http://www.salimpourschool.com/wp-content/uploads/2014/12/JamilaSpeechICMEDMay1997sml.pdf.

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Que história é essa?

Ana Terra de Leon (Florianópolis-SC) é bailarina de ATS® e Dança Oriental, historiadora, com mestrado em História Cultural pela UFSC e especialista em História da Psiquiatria no Brasil. Pesquisadora autônoma, coordena o Heréticas, Grupo de Estudos sobre História da Bruxaria, e o Tribus Nexum, sobre danças orientais e suas fusões. Participa da equipe organizadora do Praksis - Simpósio brasileiro de fusões tribais e é integrante do Coletivo Hunna - Historiadoras que dançam. Clique aqui para ler mais post dessa coluna! >>

[Fusion Brasil] Conheça o universo do Fusion Brasil e saiba como fazer parte

 por Kilma Farias

Kilma Farias  | Fotografia por Tareb

O gradativo autoconhecimento que o bailarino que se busca tem acesso pelas práticas de Fusion Brasil proporciona um estado de presença cênica, criando um tempo e um espaço extracotidianos: a dimensão da arte. Esse estado de presença, também chamado de corpo cênico, ocorre através de múltiplas relações que se estabelecem no bailarino e em quem observa a dança.

As relações podem ser:

- do bailarino consigo mesmo;

- do bailarino com seus diferentes observadores;

- do bailarino com o espaço físico; do bailarino com o espaço constituído pela cena e seus elementos como luz, figurino, cenografia e musicalidade;

- como também do observador consigo mesmo;

- do observador com o bailarino; do observador com os outros observadores (se houver);

- do observador com o espaço físico; do observador com o espaço constituído pela cena.

São múltiplas as percepções que envolvem uma dança, mas meu foco no Fusion Brasil está na relação do bailarino com o cuidado de si mesmo e como as memórias individuais e coletivas podem ser acessadas nesse processo, pensando o corpo cênico como uma “verdade” da expressão humana, onde movimentos internos podem corresponder a movimentos externos. Assim, encontro um vasto campo para investigar se o movimento do corpo e a subjetividade do sujeito são aspectos distintos de uma mesma realidade.

Sirlei Oliveira | Fotografia por Hebert Silva

Desse modo, o bailarino pode ser capaz de tornar visível o invisível em si mesmo? E com o praticar-se através da dança, esse invisível poderia ir se mostrando cada vez mais, trazendo a possibilidade do bailarino conhecer-se em profundidade? Essa espiritualidade que perpassa pelo corpo seria capaz de colocar o sujeito em contato consigo mesmo? 

Nesses 18 anos de pesquisas em Tribal Brasil, hoje Fusion Brasil, eu respondo sem sombra de dúvidas que sim. Pois vejo alunas chegando nas turmas com bloqueios físicos e baixa autoestima, acreditando que não dançam bem e que nunca vão dançar porque estão acima do peso ou se acham velhas, ou ainda porque não fazem movimentos perfeitos e se acham desengonçadas. Com um mês de prática vejo alunas soltas, criado sequências coreográficas e se valorizando no seu ser de sujeito, apoiando umas às outras. Pra mim isso é gratificante e me faz ter o coração leve saber que estou à serviço de uma dança que liberta. Acredito que a perfeição é algo que não está atrelado à limpeza técnica. Para Rudolf Laban (1879-1958), uma das maiores referências da dança do século XX, “a fonte da qual devem brotar a perfeição e o domínio final do movimento é a compreensão daquela parte da vida interior do homem de onde se origina o movimento e a ação.” (LABAN, 1978, p. 11). Laban olha para a interioridade, para o mais íntimo do sujeito para falar em dança, em arte do movimento. Embora contenha em sua teoria elementos essencialistas, podemos identificar um pensamento de unidade em parte do seu legado que nos ajuda na compreensão de corpo e movimento no Fusion Brasil.

Mari Pessoto  (fotografia: acervo pessoal)

Além dessa compreensão, trazemos as memórias individual e coletiva para dialogar com a prática do estilo, tema que já dialogamos em postagens passadas. Desse modo, desenvolvemos o respeito e honra à ancestralidade, assim como o respeito e honra às mulheres que caminham junto no processo, na qual chamamos de manas ou irmãs, pondo em prática a instância da sororidade.

A produção coletiva é estimulada, assim como a produção individual. Para tanto, desenvolvemos videodanças coletivas a partir de cada tema estudado, assim como vamos propor festivais online para fomentar a criação de solos, conferindo cada vez mais segurança à aluna para que se posicione frente à arte-vida.

Karine Neves | Fotografia por Nando Espinosa

No momento temos duas opções de participação nos estudos e pesquisas em Fusion Brasil. Aulas regulares todas as segundas via facebook através de chamadas ao vivo que ficam gravadas. Esse formato compõe a turma de Especialização em Fusion Brasil e através dessa turma fomentamos a produção de trabalhos coletivos e individuais. E a Turma de Formação em Fusion Brasil que já se encontra no seu oitavo ano.

Ficou com vontade de participar? Então se entregue. E saiba que estarás movendo não apenas teu corpo físico, mas principalmente teus corpos sutis até trazer transformações positivas ao seu ser mais profundo.

Seja bem-vinda, bem-vindo, bem-vinde!

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Tribal Brasil - Identidade no Corpo

Kilma Farias (João Pessoa-PB) é bailarina, professora, coreógrafa, produtora e pesquisadora na área da dança. É formada em Licenciatura em Dança e Jornalismo pela Universidade Federal da Paraíba. Mestra em Ciências das Religiões pela UFPB, desenvolveu dissertação voltada para a relação entre presença cênica e espiritualidade na Dança Tribal.  Clique aqui para ler mais post dessa coluna! >> 

[Resenhando-AL] Cia Lunay (PB): Uma Inspiração para a Cena Tribal Alagoana

por Ana Clara Oliveira

Yolanda Cavalcante, Veronica Alves e Kilma Farias | Fonte: acervo Cia Lunay

O presente texto apresenta a Cia Lunay (PB) como uma das fontes inspiradoras para o estilo tribal de dança do ventre em Alagoas. Sem dúvida, esta matéria se fundamenta pelo grandioso trabalho artístico-educacional sistematizado e disseminado pela Cia Lunay ao longo da história do estilo no Brasil. Embora a coluna se dedique aos eventos em Alagoas, necessito expressar o quanto admiramos e respeitamos a Cia Lunay que tanto nos surpreende com brilhantes acontecimentos.

Em razão disso, este grupo profissional paraibano tornou-se um excelente entusiasmo e uma fragrância criativa que impulsionou muitos dos trabalhos artísticos da Zambak Cia de Dança Tribal (AL), a qual participo na condição de diretora. Por tantas vezes, a aproximação do tribal de Alagoas com a Cia Lunay aconteceu por contemplação e também pelos estudos teóricos/práticos promovidos pelo grupo da Paraíba nos eventos do nordeste brasileiro. Em outros momentos, a proximidade respeitosa brotou como desejo sincero da profissionalização do tribal em grupo no chão alagoano, uma vez que a Cia Lunay é referência nas investigações artísticas no campo das fusões. Por último, a conexão se deu como potência constituinte de promoção do tribal, principalmente, na fusão de matrizes afrobrasileiras e populares, que também são elementos de interesse da cena tribal alagoana. Por todos esses fatos, a Cia Lunay é uma grande inspiração para Alagoas e certamente, para todo o Brasil. 

Em face do exposto, transporto vocês para a obra da Cia Lunay intitulada Infinitudes (2020), que realizada com recursos da lei Emergencial Cultural Aldir Blanc se consolida como um gigantesco e inovador trabalho de dança em tempos tão sombrios. Infinitudes que recebeu apoio da Secretaria de Estado Cultura/Governo do Estado da Paraíba, Edital Fernanda Benvenutty, possui a seguinte ficha técnica:

Bailarinas

Kilma Farias

Veronica Alves

Yolanda Cavalcante

Imagens e Direção de Fotografia

Mano de Carvalho

Direção geral e Edição de imagens

Kilma Farias

Músicas

Amor Tropical – Cassicobra

Tinaja Dub – Cassicobra

Cobra 0.9 – Cassicobra

O Peso do Meu Coração

Autores: Castello Branco/Tomas Troia

Editora: Deck

Infinitudes Cia Lunay | Fonte: acervo Cia Lunay

Em diálogo com a bailarina da Cia Lunay, Kilma Farias, obtive acesso aos dados específicos da obra de dança Infinitudes que possui aproximadamente vinte e seis minutos:

Extravasar os limites do dentro e do fora, de si e do outro e transbordar nossos corpos em movimento: essa é a poética de Infinitudes. A Cia Lunay traz uma reflexão em vídeo do isolamento gerado pela pandemia. As imagens dançam o quanto isso nos fez olhar para dentro e perceber que para além das 4 paredes, somos seres infinitos, imensos. Essa infinitude se torna ainda maior quando a união é entre mulheres que possuem laços profundos de amizade através da Dança. (LUNAY, CIA, 2020, on-line)

A bailarina Kilma Farias, conta que o objetivo desse trabalho artístico é discutir e, paralelamente, transformar em imagens poéticas a condição que foi estabelecida pela pandemia e isolamento social, tendo como base a relação de afetividade entre as mulheres. De acordo com a bailarina, devido ao fato da Cia Lunay possuir 17 anos de existência ininterruptos, presenciais e de muita produção em dança nos teatros e na natureza, o grupo esbarrou no desafio de conviver sem a presença física. Tal obstáculo veio carregado de situações específicas nas quais uma bailarina passou a necessitar do amparo da outra para sobreviver aos tempos de dor, medo e insegurança coletiva. Então, as três artistas decidiram “quebrar” o isolamento social para o cuidado umas com as outras, inclusive partilhando fisicamente das noites mais difíceis. 

Yolanda Cavalcante, Veronica Alves e Kilma Farias | Fonte: acervo Cia Lunay

Nesse momento, as artistas perceberam que olhando para dentro, ou seja, transportando para um mergulho interior e para as relações estabelecidas antes da pandemia, o isolamento se tornava ilusório, pois sentiam as suas fragilidades e suas potências, isto é, estavam acompanhadas de si e do outro. Dessa forma, descobriram que existe apenas o isolamento físico, pois somos parte da natureza, transbordamos, atravessamos, penetramos pelos afetos... somos infinitos... infinitudes. Kilma Farias conta que a materialidade ou o mundo imanente vem de algo maior que é a subjetividade e o mundo transcendente. Justamente por esses aspectos que a obra faz a sua narrativa.

Kilma Farias | Fonte: acervo Cia Lunay

As referências utilizadas para Infinitudes foram o método de estudo do movimento desenvolvido por Rudolf von Laban e o trabalho significativo da Pina Bausch. Igualmente, foi desenvolvida uma pesquisa autoral do estilo tribal Brasil que propõe uma tradução cultural de diversas danças do feminino desde as estéticas e poéticas da dança do ventre até as danças indianas, o flamenco, as danças que abordam arquétipos de deusas e simbologias sagradas. Assim, Infinitudes reverbera o trabalho do corpo cotidiano experienciado na pandemia através do repertório do estilo tribal brasil, utilizando as qualidades/dinâmicas e fatores de movimento Laban e, as inspirações estéticas de Dança-Teatro de Pina Bausch.

Yolanda Cavalcante | Fonte: acervo Cia Lunay

 

Sugiro fortemente a apreciação da obra completa disponível no canal YouTube Núcleo de Danças Kilma Farias. Para finalizar, destaco alguns aspectos que convocam a atenção: os véus vermelhos, os vestidos esvoaçantes, o vento, o mar, a falésia, o sol, o chão duro, os movimentos sinuosos, o gesto cotidiano autêntico, as cadeiras e bancos vermelhos, os pés descalços, a mala preta, as direções espaciais, o guarda-chuva preto, as pausas, os giros, as pontuações e os bloqueios com as partes corporais, as figuras com os braços, os tempos súbitos da corporalidade, a fluência livre e contida, o figurino preto e justo no corpo, a repetição específica como invenção no que se deseja evidenciar, os cabelos soltos, a iluminação no feminino como nos quadris, pernas, ventre, cabelo e face.

Outros elementos como: o dançar com os objetos cênicos, as ações corporais básicas, o silêncio e as cenas distintas que somam um todo semiótico criativo; um entendimento sobre o tempo, os elementos de matrizes afrobrasileiras e populares que reverenciam a fusão brasil e os aspectos de danças modernas/contemporâneas que se mesclam com os repertórios do estilo; o sentir, o tocar, o amparar, os cuidados, a solidão, o isolamento e o desejo do reencontro; a musicalidade múltipla, o entrelaçamento dos corpos femininos, a atmosfera de união e de bálsamo; os diversos ângulos e edições poéticas dos repertórios específicos do estilo de fusão que permitem ao espectador sulear novos rumos inspiradores para a pluralidade do corpo brasileiro que dança e do tribal no Brasil. 

Agradeço a Cia Lunay pela partilha da obra Infinitudes, por motivar sonhos tanto na cena tribal em Alagoas como também em todo o território brasileiro e, especialmente, por ser resistência da classe trabalhadora artística. Espero que Infinitudes possa aquecer o coração de vocês. Reflitam e desfrutem carinhosamente dessa obra maravilhosa.

Referência

LUNAY, CIA. Infinitudes. On-line, 2020. Disponível em: https://www.youtube.com/watch?v=elIWKu37i3c. Acesso em 22 de jun. 2021.

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Resenhando-AL

Ana Clara Oliveira (Maceió-AL) é dançarina e pesquisadora do estilo Tribal de Dança do Ventre. Professora de Dança na Escola Técnica de Artes (UFAL). Doutoranda em Artes (UFMG) onde pesquisa a formação no Tribal. Mestrado em Dança (UFBA). Diretora da Zambak Cia de Dança Tribal ... Clique aqui para ler mais post dessa coluna! >>

[Make Off] Autocuidado: Hidratação

 por Sarah Raquel

Como está sua consistência no autocuidado? 

Seguindo com nossa sequência de autocuidado, vimos sobre o tipo de pele, a limpeza facial e nessa terceira parte é interessante entender a importância da etapa de hidratar o rosto.

Muitas vezes achamos que o ideal que a textura da pele esteja seca, sem oleosidade como vemos nas mídias, porém é nisso que não estamos enxergando. A pele possui textura, marcas e cicatrizes, é impossível conseguir chegar numa pele midiática em um mundo de filtros, harmonizações e procedimentos estéticos.

O ideal é entender que a nossa pele tem que estar hidratada por meios alimentares e muita água, com ajuda de produto hidratante que vai ajudar a regular o nível de sebo que nosso corpo produz naturalmente. Quando retiramos completamente a oleosidade por meio de uma limpeza, o nosso corpo é inteligente e entende que precisamos repor aquela oleosidade, é nessa parte onde precisamos hidratar para não causar um excesso. 

Para a maquiagem, ela se torna uma etapa poderosa, fornecendo uma camada protetora para proteger seu rosto de qualquer produto, além de ajudar a fixar melhor e até dar um realce ainda maior naquela sombra que você tanto gosta. 

Além disso, segue alguns pontos positivos com o uso regulado de um bom creme hidratante facial:

• Protege o rosto de radicais livres da cidade;

• Forma uma barreira protetora para receber maquiagem, evitando problemas como acne causada por produtos acumulados;

• Ajuda a uniformizar sua pele, com as linhas de expressões e também do forte calor do sol.

Em caso de dúvidas, é importante que consulte um dermatologista para indicar os melhores tratamentos para o seu tipo de pele.

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Make Off

Sarah Raquel (Fortaleza-CE) iniciou os estudos em danças orientais com a dança do ventre em 2015 e logo se redescobriu na vertente dark fusion, para melhor se expressar dentro desse estilo buscou estudar tribal fusion e o dark fusion. Clique aqui para ler mais post dessa coluna! >>